Superman

Cuando los hermanos Salkind decidieron, a finales de la década de los 70, llevar a cabo el proyecto de realizar una película sobre Superman, las adaptaciones de cómics realizadas hasta el momento no habían tenido una gran sustancia, quizás con la salvedad de El príncipe Valiente(Henry Hathaway)(1954), y por lo general eran escasas, nada que ver con los tiempos actuales en los que éstas proliferan con asiduidad. Además, el principal defecto que éstas atesoraban era la de su excesiva deuda con la estética camp y con la pretensión de reproducir en la gran pantalla efectos propios del cómic tales como onomatopeyas y un tono excesivamente paródico que hacían un flaco favor al noveno arte, no hay más que recordar la serie televisiva de Batman para darse cuenta de ello. En la gestación de Superman, hubo varios factores que propiciaron que esta película sea algo totalmente diferente a lo que se había realizado hasta entonces en materia de adaptaciones del cómic al cine. En primer lugar, el fichaje de Mario Puzo para configurar una historia tan rica que posibilitaría la realización de dos películas que se rodarían simultaneamente. Posteriormente y atraídos por la estela de Mario Puzo, los Saskind pudieron contratar a Marlon Brando y a Gene Hackman para interpretar respectivamente los papeles de Jor-El y Lex Luthor, con lo que sus nombres dieron legitimidad al proyecto. Pero no fue sino el azar, el que quiso que Guy Hamilton(el director inicialmente previsto para el proyecto) dejara paso a Richard Donner, y esto último fue absolutamente clave para que el rodaje tomara forma hasta llegar a ser la obra que es hoy en día. Donner, que venía de realizar un clásico como La profecía, leyó el tratamiento del guión que Leslie Newman y Robert Benton habían realizado de la historia inicial perpetrada por Mario Puzo, y contactó con Tom Mankiewicz(sí, el hijo del realizador de Eva al desnudo) para que le diera una pátina de veracidad y de verosimilitud a la historia, en otras palabras que eliminara de la misma el tono autoparódico que podía leerse en sus páginas, para insuflarle seriedad al proyecto.



Precisamente, ésa fue la obsesión de Donner durante todo el rodaje, la verosimilitud, hasta el punto de que tenía en su casa enmarcado un dibujo de Superman con un bocadillo en el que se podía leer la palabra, y todo ello se nota en el resultado final del film. Uno de los muchos aciertos que tuvo Donner a la hora de ir construyendo la película fue el de conseguir la combinación justa entre grandes estrellas, muchas de ellas en papeles pequeños, como Trevor Howard, Glenn Ford, Marlon Brando, Terence Stamp, Maria Schell o uno de los niños prodigio del cine clásico, Jackie Cooper; y actores desconocidos como Christopher Reeve y Margot Kidder, quienes se revelaron como unos inmejorables Superman y Lois Lane.



La película de Richard Donner, al igual que la vida del propio Hombre de Acero, se divide en tres actos bien diferenciados que podríamos llamar con los nombres de Krypton, Smallville y Metrópolis. La primera parte ambientada en Krypton, es la más teatral del film, y posee un innegable trasfondo de tragedia griega, tanto por temática(el trágico destino final, la imposibilidad, sobre todo en el caso de Jor-El, de alterarlo...) como por estética. Krypton es una civilización milenaria que se nos presenta en toda su pompa y gravedad, muy similares a la del Imperio Romano, con un Consejo que es el que toma las decisiones, al igual que ocurría en la Antigüedad. Por ejemplo, en la secuencia en la que se juzga al general Zod(Terence Stamp) y sus secuaces por sus crímenes, vemos como el jurado emite su veredicto, y se nos aparecen los rostros aumentados de los miembros del Consejo en medio de la oscuridad repitiendo la palabra CULPABLE que recuerdan vagamente el Coro de una tragedia griega. Además, Donner tuvo el buen gusto de escoger a veteranos actores europeos clásicos, como la alemana Maria Schell, los británicos Trevor Howard y Susannah York(en el papel de Lara, la madre de Kal-El), y por supuesto Marlon Brando, muy probablemente el más europeo de los actores americanos, con lo que se reforzaba todavía más el trasfondo de teatro clásico que posee la parte kryptoniana del film.



El origen de Superman, como así dispusieron sus creadores Jerry Siegel y Joe Schuster, posee unas resonancias bíblicas evidentes, y su viaje recuerda tanto a Moisés como al propio Jesús, ya que la llegada de Kal-El a la Tierra es como la arribada de un mesías al que, a diferencia de lo que ocurría en la Biblia, no se le espera, pero cuyo destino es el de convertirse en un salvador de la humanidad. La idea de viaje se encuentra presente tanto en los cómics del personaje como en el film de Donner, que filma al bebé Kal-El en primerísimo plano mientras atraviesa el espacio y escucha de forma subliminal grabaciones con la voz de su padre en las que le habla de conceptos científicos tanto terrestres como kryptonianos.

Una vez transcurrido el interludio que supone el viaje entramos de lleno en el segundo acto de la película: Smallville, o lo que es lo mismo entramos en la adolescencia del personaje. Nos encontramos en los años 50, como podemos deducir por el hecho de que en la radio de los compañeros de instituto de Clark suene el Rock around the clock de Bill Haley and his comets, en un pueblo ficticio de Kansas(Estados Unidos), y eso se traduce en grandes paisajes agrícolas, campos de trigo y mucha, mucha luz. En esta parte de la película brilla con luz propia la elipsis, ya que vemos como el matrimonio Kent, interpretado por Glenn Ford y Phyllis Thaxter, encuentra la nave del niño Kal-El, para después ver como el joven Clark se desenvuelve en Smallville ocultando su secreto, y como su padre terrestre le hace ver que él está ahí para algo mucho más grande que presumir y alardear de sus poderes ante la gente. De esta forma, con tan solo unas pocas pinceladas el espectador puede sentir la importancia de sus padres terrestres en la humana formación del futuro Superman.

Metrópolis es por tanto, el tercer y más importante acto de la película, y por tanto, el más largo con diferencia, ya que supone obviamente el cuerpo de la misma, y es la parte del film en la que Clark/Superman y Lois Lane dominan las operaciones. La búsqueda de dos actores que pudieran encarnar tanto a Superman como a Lois Lane supuso la mayor dificultad para los responsables del casting de la película. En el caso del papel de Superman se pensó en actores como Paul Newman o Robert Redford, pero aunque como todos sabemos son intérpretes excepcionales, por rasgos físicos no daban la talla como Superman, y a su vez también se pensó en desconocidos. El problema es que muchos de estos se parecían al Último Hijo de Krypton pero no sabían interpretar, así que el problema era que o bien, se disponía de grandes actores que en palabras del propio Richard Donner"eran incapaces de volar" o bien, se disponía de tipos que no eran actores. En ese sentido la aparición de Christopher Reeve fue una auténtica bendición del cielo, y nunca mejor dicho. Físicamente daba la talla como Superman, verlo es simplemente ver al Hombre de Acero, y a nivel de interpretación supo salir perfectamente airoso del doble reto que suponía interpretar a Superman y a Clark Kent. Para interpretar al primero, en las secuencias de vuelo, se sirvió de su propia experiencia como piloto de vuelo sin motor, para dar verosimilitud(esa palabra que le gustaba tanto a Richard Donner) a las escenas aéreas, ya que no se limitaba a estar ahí, sino que se deslizaba en el aire e interpretaba mientras volaba; y para interpretar al segundo tomó la influencia del Cary Grant(reconocido por el propio Reeve) de películas como La fiera de mi niña para construir un personaje tímido, inseguro y apocado. Reeve adopta diferentes gestos corporales y tonos de voz para interpretar ambos papeles consiguiendo parecer dos personas absolutamente distintas, así, si para interpretar a Superman su voz es segura y firme, para interpretar a Clark ésta se vuelve insegura y tartamuda.

Para interpretar a Lois Lane se eligió a la desconocida Margot Kidder dentro de un elenco de actrices que incluía a Anne Archer, Stockard Channing y Lesley Ann Warren entre otras, y después de haber tenido la oportunidad de ver las pruebas que se llevaron a cabo para elegir a Lois Lane, no puedo estar más de acuerdo con los responsables de la película en la idoneidad de la elección de miss Kidder para el papel, ya que donde Archer y Channing resultaban únicamente pulcras y Warren sobreactuada, Kidder demostró que ella era Lois Lane desde el primer momento. Indudablemente, el buen tino mostrado por los responsables del film en la elección de los actores fue una de las claves de su éxito, pero también lo fueron sin duda, el guión en el que trabajaron Mario Puzo, Leslie Newman, Robert Benton y Tom Mankiewicz, y la excelente dirección de Richard Donner como demuestran secuencias míticas como las de la presentación de Superman con el primer rescate a Lois Lane, la del terremoto o la del vuelo de ambos personajes. Esta última es todo un clásico y es un prodigio tanto de guión como de dirección, desde la entrevista que Lois le hace a Superman, en la que se entremezclan las líneas de diálogo propias de la entrevista con el inicio el tonteo amoroso entre los dos personajes(el color de la ropa interior de Lois, que sea rosa, ¿le gusta el rosa?), hasta la propia antesala del vuelo en la que Lois hace referencia a Peter Pan. Esta comparación con Peter Pan no es casual, ya que por un lado el vestido que lleva Lois Lane recuerda vagamente al que lleva Wendy en la película de animación de Walt Disney, y por otro ella es como una niña dando la mano a un dios(según sus pensamientos expresados en voz en off) mientras vuela con Superman.

En definitiva, y por no extenderme durante más tiempo, aunque sería una película de la que podría hablar horas y horas, Richard Donner y su equipo consiguieron la difícil tarea de realizar la que fue, no solo una espléndida adaptación del cómic, sino también todo un clásico del cine.

Superman

País: Estados Unidos

Año: 1978

Título original: Superman: the movie

Intérpretes: Marlon Brando, Gene Hackman, Christopher Reeve, Margot Kidder, Ned Beatty, Jackie Cooper, Valerie Perrine, Glenn Ford, Phyllis Thaxter, Maria Schell, Trevor Howard, Terence Stamp, Sarah Douglas, Susannah York

Guión: Mario Puzo, David Newman, Leslie Newman y Robert Benton

Consultor creativo: Tom Mankiewicz

Fotografía: Geoffrey Unsworth

Música: John Williams

Productores: Alexander y Ilya Salkind
Director: Richard Donner

Gilda

Charles Vidor(sin ninguna relación de parentesco con King Vidor) fue un director húngaro que se trasladó a Estados Unidos durante los años 20, aunque su debut como realizador no se produjo hasta la época del sonoro. Debo reconocer que no he visto muchas películas suyas, tan solo Rejas humanas(1939), una interesante muestra de film noir combinada con thriller psicológico, de la que no guardo mal recuerdo, Las modelos(1944), un musical con Rita Hayworth(con la que trabajó en varias ocasiones) y Gene Kelly, Canción inolvidable(1945), un biopic sobre la vida de Chopin, interpretado por Paul Muni y Merle Oberon, El fabuloso Andersen(1952), otro biopic, en esta ocasión sobre el célebre escritor Hans Christian Andersen, y Quiéreme o déjame(1955), una correcta película que se encuentra a caballo entre el musical y el drama, con Doris Day y James Cagney en sus principales papeles; y a pesar de que se tratan de películas correctas y en algunos casos incluso buenas, ninguna de ellas puede competir con la que muy probablemente sea la mejor película de la filmografía de Charles Vidor, Gilda.

A estas alturas hablar de Gilda supone una enorme responsabilidad, como lo sería hablar de Casablanca o Ciudadano Kane, ya que independientemente de su calidad que es mucha en los tres casos, son películas que se encuentran ya más allá del bien y del mal, y cuya mitificación hace que más que de películas hablemos de iconos del pasado siglo, con todo lo que ello implica. Gilda en ese sentido, es una película con una carga icónica tremenda, como bien demuestran secuencias como la del guante o la de la bofetada.



En determinadas ocasiones he hablado en este blog que es el vuestro, de la mezcla de géneros, de cómo una película puede participar de varios géneros al mismo tiempo a pesar de estar tradicionalmente acotada en uno concreto. En concreto hablaba de esto, y los más antiguos seguidores de Travellings lo recordarán sin duda, en un post dedicado a la película dirigida por Burt Kennedy y protagonizada por John Wayne y Kirk Douglas, Ataque al carro blindado, una película que por su ambientación es un western, por su tono una comedia, y por su temática podría ser perfectamente una película de cine negro. Gilda, hasta cierto punto participa de este tipo de mezcla de géneros, aunque en el caso del film de Charles Vidor la esquizofrenia genérica es mucho menor, ya que se encuentra circunscrita exclusivamente al marco del film noir y del melodrama.



Aunque bien mirado, el maridaje entre melodrama y género negro no es ni mucho menos algo contra natura, más bien sería la alianza perfecta, ya que si el melodrama es el género en el que se analizan y se exponen los sentimientos humanos, tanto positivos como negativos, las pasiones más elevadas y también las más bajas, el film noir es aquél en el que aparecen los más bajos instintos, ya sean criminales o sentimentales, y en ese sentido la figura de la femme fatale, tan consustancial al género negro sería un ejemplo perfecto de las relaciones que pueden llegar a mantener ambos géneros cuando la situación lo requiere. Por poner varios ejemplos, muchos de los personajes interpretados por Bette Davis en melodramas como Jezabel, La loba o La carta(todas de William Wyler), corresponden perfectamente con el esquema de femme fatale del género negro, aparte de que en La loba y La carta hay también una intriga criminal. A su vez vemos también películas plenamente adscritas al género negro como Perdición de Billy Wilder, en la que veíamos cómo Barbara Stanwyck seducía a Fred MacMurray para meterle de lleno en su intriga criminal. Aunque se hace más evidente todavía en otras películas como El extraño amor de Matha Ivers, dirigida por Lewis Milestone y protagonizada por Barbara Stanwyck, Kirk Douglas, Van Heflin y Lizabeth Scott o en Almas desnudas de Max Ophüls en las que se podía ver este tipo de fusión entre ambos géneros, aunque en cada uno de estos casos los ingredientes y las situaciones fueran totalmente diferentes.

Gilda es, por encima de todo, la historia de un triángulo amoroso, en un principio la del formado por Johhny Farrell(Glenn Ford), Ballin Mundson(George MacReady) y el bastón que oculta una espada en su extremo, propiedad de este último. En este triángulo no hay mujeres, únicamente se vela por el negocio, por el casino que regenta el personaje de MacReady, y que como ocurre siempre en cualquier trama noir esconde negocios sucios. Pero como todos sabéis, este triángulo dura poco, ya que el bastón es sustituido por Gilda(Rita Hayworth), ésta se ha casado con Mundson ante la sorpresa y el susto de Johnny. El espectador no tarda en saber que Johnny y Gilda se conocían de antes, en el sentido bíblico podríamos decir, y mantienen una relación de amor-odio fruto de rencores del pasado, que ni mucho menos pueden enterrar la pasión entre ambos; "te odio tanto Johnny", le dice Gilda a Johnny mientras le besa, y es que el amor entre Gilda y Johnny es un amor fou en toda regla, destructivo y abrasador.

La dirección de actores de Charles Vidor es absolutamente modélica, Rita Hayworth está absolutamente excepcional, Glenn Ford realiza una interpretación magnífica, y el resto del reparto también luce a buen nivel, además Vidor sobresale en este film por la espléndida elección de los encuadres logrando una secuencia mítica tras otra, desde el guante quitado mientras Rita baila(la voz no la ponía ella) Put the blame on mame, la mítica secuencia de la bofetada, o la del arranque de la película en la que vemos a Johnny arrodillado jugando a los dados mientras despluma a sus adversarios. Este plano inaugural de la película me parece absolutamente excepcional, ya que el personaje se encuentra en el suelo, arrodillado, en un ambiente oscuro, dando a entender que se encuentra en una situación física, moral y económica bastante lamentable, en definitiva, transmitiendo al espectador que se encuentra totalmente a la deriva.

Sin embargo, la dirección de Vidor no sería igual de efectiva si no contara con la absolutamente maravillosa fotografía en blanco y negro de Rudolph Maté, reputado director de fotografía que a su vez dio el salto a la dirección logrando películas tan interesantes como Con las horas contadas, un espléndido film noir de serie B, o el western Hombres violentos en el que volvería a coincidir con Glenn Ford. Gilda no sería lo mismo, como cualquier otro film noir, si no contara con esas luces y sombras, con esos grises y con esa niebla brumosa, tan oscura como los negocios de Ballin Mundson o como el amor de Gilda y Johnny.

Gilda, una película que no tengo claro si es un melodrama o una película de género negro, o si es ambas cosas, aunque si tuviera que decantarme por una opción diría simplemente que Gilda es puro cine.

Gilda

Año:1946

Título original: Gilda

País: Estados Unidos

Intérpretes: Rita Hayworth, Glenn Ford, George MacReady, Joseph Calleia, Steven Geray, Rosa Rey, Joseph Sawyer, Mark Roberts, Ludwig Donat

Guión: Marion Parsonnet basado en una historia de E.A.Ellington

Fotografía: Rudolph Maté

Música: Morris Stoloff

Productora: Columbia Pictures

Productor: Virginia Van Upp

Director: Charles Vidor

Chantaje contra una mujer

En demasiadas ocasiones determinados cineastas son víctimas de ciertos estereotipos que les encorsetan y les encasillan, en cuanto a percepción pública se refiere , adscritos a un determinado género, como pueda ser el de la comedia. Ese es el caso de Woody Allen, a pesar de habernos regalado dramas de la calidad de Interiores, Otra mujer, Septiembre, Delitos y faltas o Match point o películas tan inclasificables como Zelig o La rosa púrpura de El Cairo; también es el caso, hasta cierto punto , de Billy Wilder, ya que a pesar de habernos dado dos magníficas reflexiones sobre el mundo del cine como El crepúsculo de los dioses o Fedora, un film noir canónico como Perdición, otro en el que se ponía en tela de juicio el cuarto poder como El gran carnaval, una película de investigación judicial como Testigo de cargo o dos personales muestras de género bélico como Cinco tumbas al Cairo y Traidor en el infierno, ve como es mucho más conocida su producción al servicio de la comedia. Sin embargo, el caso particular de Blake Edwards es mucho más sangrante todavía, en parte por culpa suya, ya que sobre todo en el tramo final de su filmografía fue prácticamente el único género que cultivó, quedando atrás un drama de la fuerza y la dureza de Días de vino y rosas, una película romántica con un gran poso de dureza en su interior como Desayuno con diamantes, un western atípico como Dos hombres contra el Oeste, o este excepcional thriller policial que es Chantaje contra una mujer.

En sus títulos de crédito iniciales vemos como la cámara sigue a un coche a través de la autopista, mientras escuchamos una música inquietante obra de ese genio de la composición de bandas sonoras llamado Henry Mancini, e instantes después Edwards nos ofrece un primer plano de una Lee Remick sonriente al volante, totalmente ajena a lo que se le avecinará, una sonrisa que simboliza la calma antes de la tormenta. Una vez finalizados los títulos de crédito, vemos como el automóvil ha llegado a su destino, y como la mujer aparca en el garaje de su casa(curiosamente vive en Twin Peaks, sic). Justo a continuación el ambiente se tensa, se oye un ruído y aparece una figura masculina amenazante surgiendo entre las sombras. Edwards filma al hombre y a la mujer en un primerísimo plano, cambiando el emplazamiento de la cámara varias veces a lo largo de la secuencia, y dando una lección de timing narrativo dominando plenamente los silencios y la atmósfera de una situación tan amenazante como ésa, en la que el hombre siniestro amenaza con asesinar a la mujer y a su hermana si no roba para él una cantidad de dinero del banco en el que ella trabaja.

A partir de ahí la película es un juego de persecución entre la policía y el chantajista, con la mujer situada enmedio de ambos tratando de salvar su vida y la de su hermana. Chantaje contra una mujer está plagada de inolvidables momentos, como el guiño a Psicosis con el acosador disfrazado de mujer anciana amenazando a nuestra protagonista en el aseo de señoras, o la escena del crimen en un taller de maniquís o el desenlace en un estadio deportivo, tantas veces imitados posteriormente. Es inevitable no destacar el enorme trabajo del operador de cámara Philip H. Lathrop, quien ofrece una espléndida fotografía en blanco y negro en la que las sombras son las grandes protagonistas, y entre las cuales se manejará como pez en el agua nuestro chantajista, y la enorme banda sonora de Henry Mancini, totalmente puesta al servicio de la historia, mostrando una vez más su enorme grandeza, esta vez en un género que al igual que le sucedía al propio Blake Edwards, no le era desconocido por su colaboración previa en la serie de televisión Peter Gunn.

Chantaje contra una mujer, o mejor dicho Experiment in terror(su título original) es una excelente muestra del género de intriga policíaca y que nos da a conocer una faceta de Blake Edwards mucho más ignota para el gran público.

Chantaje contra una mujer

Título original: Experiment in terror

Año: 1962

País: Estados Unidos

Intérpretes: Glenn Ford, Lee Remick, Stefanie Powers, Roy Poole, Ned Glass, Anita Loo, Patricia Huston, Gilbert Green, Clifton James, William Bryant

Guión: Gordon y Michael Gordon basado en su propia novela

Música: Henry Mancini

Fotografía: Philip H. Lathrop en blanco y negro

Productora: Columbia Pictures

Productor y Director: Blake Edwards

Otras películas de Blake Edwards en Travellings:

Días de vino y rosas